В галерее «Мансарда художников» представлено около 200 работ Олега Николаенко. Несмотря на жанровое разнообразие (портреты, натюрморты, пейзажи), работы Николаенко невозможно спутать с произведениями других авторов. Художественный язык этого автора отличается лаконичностью и почти аскетичной строгостью.

Каждая работа заключает в себе принципы изобразительной системы, которая формировалась художником не одно десятилетие. Привычное жанровое разделение картин на портрет, натюрморт, пейзаж в случае с работами Николаенко крайне условно. Работы подвергаются упорядочиванию при разделении не по жанру, а по категориям: звери, женщины, цветы, предметы.

В работах, где изображены неодушевлённые предметы, знакомый объект оказывается изъят из привычной среды бытования. Помещённый в безвоздушную обезличенную среду, такой предмет больше не имеет функции. Груша, ваза, морская раковина на картинах Николаенко становятся «вещью в себе», собирательным образом всех объектов с тем же названием. В этом ключе, пространство работ Олега Николаенко проявляет связь с полотнами, созданными внутри традиции метафизической живописи. Начатая Джорджо де Кирико линия метафизической живописи, получила продолжение в творчестве Джорджо Моранди и далее у обширной группы художников первой волны ленинградского андеграунда.

Фон и предметы на картинах Николаенко заключены в жёсткие контуры. Строгость и лаконичность произведений также усиливается цветовыми решениями. Чаще всего художником используются сдержанные «разбавленные» цвета. В случае, когда в качестве фона выступает яркий активный цвет, цвета объектов нейтральны. В ранних работах Николаенко часто изымает категорию цвета полностью, акцентируя внимание на вопросе взаимоотношений между пространством и формой. Так или иначе, во всех работах художника изображённые объекты не вступают в конфронтацию с фоном, а является частью среды в которую помещены.

В подходе к наименованию работ лежит тот же принцип, что и в их создании. «Сосуд и раковина», «Ваза и плоды», «Рыба» - здесь нет места изобильности или зауми. Вещь говорит сама за себя, утверждая неисчерпаемость формы и пространственно-формальных вариаций.

Картина “Дорога на Златоуст” написана в авторской, несколько декоративной технике. Возможно, здесь сказывается опыт работы художника в качестве дизайнера интерьера и отношение к живописи не только как к средству передачи эмоций, но и украшению пространства.

Полностью сохранены пропорции пейзажа, что встречается не часто, когда художники выбирают абстрактные стили. При этом есть довольно экспрессивные линии, широкие мазки и открытый цвет, что придает работе характер и не делает ее бездушным объектом.

“Дорога на Златоуст” станет великолепным приобретением или подарком для любителей путешествий.

Картина Потапова Ю.Г. “Камушки. Кувшинки” отсылает зрителя сразу к двум известным произведениям мировой живописи. Сюжет напоминает практически одноименные “Кувшинки” Моне, а яркая, пронизывающая цветовая гамма близка кисти русского живописца Куинджи.

В работе чувствуется и авторский стиль самого художника, Юрия Геннадьевича Потапова. Крайне текстурные, большие по плоскостям цветовые пятна — характерный почерк автора. 

Простой сюжет в сочетании с экспрессивным колористическим решением и уникальной техникой письма, станет великолепным приобретением для ценителей искусства. Спокойное и динамичное, холодное, но вызывающее самые теплые чувства и в этом очень сбалансированное произведение украсит любой интерьер.

Силуэты из бумаги - увлекательнейшее занятие. "Рисование" острыми ножницами. Ни стереть, ни закрас­ить - резать на выдо­хе быстро и точно. Силуэт всегда лаконич­ен. Он богат и выраз­ителен, запоминаем. Обладает портретным сходством шаржа. Мин­ималистичен. Неповто­рим! Я вырезаю силуэ­ты без предварител­ьной подготовки и по­сле не дорисовываю, а был и такой приём. Как спелось. Только бумага и ножницы. Ещё интуиция, когда знаешь, что, возможно, получится, а за что браться не стоит. Когда-то это - и модное салонное развл­ечение, и уважаемая художниками техник­а. Хорошо оформленный силуэт - отличный акцент интерьера. Ср­еди живописи он как аромат кофейного зер­на в парфюмерном маг­азине. Взглянул и сл­едующее полотно не сольётся с впечатлени­ями от предыдущего. В исторических фильм­ах есть прекрасные примеры (например инт­ерьер кафе из "Аббат­ства Даунтон")

На холсте изображена одна из известных улочек Санкт-Петербурга - Гороховая улица. Вначале эту улицу называли Средней перспективой, а современное название улица получила после 1756 года, когда купец Гаррах построил на ней каменный дом и открыл лавку. В народе его величали на русский манер по созвучию не иначе как Горох или Горохов. Гаррах приехал из Германии в Санкт-Петербург ещё в молодости, на службу к Петру I.

Когда разбогатевший Гаррах открывал свою лавку, он взял официальную фамилию - Горохов. Дело купца пошло в гору, и местные стали неофициально называть улицу по имени владельца этого знаменитого и нужного заведения. В народе прозвали улицу Гороховой. По мнению некоторых литературоведов, Гороховая улица является самой "литературной" в классической русской литературе, а также стихотворной и музыкальной.

Холст писался на пленэре с натуры в вечернее закатное время. Я расположилась на веранде одного из ресторанов и выбрала самый живописный вид, мне важно было показать вечернее состояние огней города.

Работа написана в технике масляной живописи, в стиле реализма. Пейзаж будет прекрасно смотреться, как в домашнем интерьере, так и в офисе.